« Shirley Jaffe ou le chant clair du monde » (Maurice Ulrich)

Le Centre Pompidou consacre une éblouissante exposition à la peintre américaine, dont les œuvres singulières composent une symphonie de la couleur et des formes.

C’est la deuxième belle Américaine de la peinture française au XXe siècle. Le XIXe en compte une, Mary ­Cassatt, impressionniste. Shirley Jaffe, Joan Mitchell… La seconde s’était installée à Vétheuil, sur les bords de Seine, tout près de Giverny, là où Monet s’était absorbé dans ses toiles et l’étang de ses « Nymphéas ». La première, à qui le Centre Pompidou consacre une très belle exposition conçue par Frédéric Paul qui fut de ses proches, arrivée en France en 1949, a toujours peint à Paris, jusque dans son petit appartement-atelier du Quartier latin, rue Saint-Victor. Elles se connaissaient très bien. Leurs parcours sont d’abord proches. Les années d’après guerre voient, en France comme aux États-Unis, la floraison d’une nouvelle forme d’abstraction. Autant elle tendait auparavant à une certaine rigueur, au moins une géométrisation poussée au plus loin par Mondrian, comme une tentative de mise en ordre du monde, autant, dans les années 1950, le geste, la sensibilité, l’émotion deviennent les moteurs d’une peinture a priori libre, voire spontanée. On parle en France d’abstraction lyrique (Schneider, Estève, Poliakoff…), aux États-Unis d’expressionnisme abstrait (Pollock, Kooning, Kline…).

Fille de parents migrants de Russie et d’Autriche-Hongrie intégrés aux États-Unis, la jeune femme a 26 ans quand elle suit son mari venu, grâce à une bourse, étudier à la Sorbonne, comme de nombreux autres artistes américains. Elle se lie avec Sam Francis, James Bishop, le Canadien Jean-Paul Riopelle, compagnon précisément de Joan Mitchell. Elle sous-loue un appartement à la grande artiste Louise Bourgeois, qui a fait le chemin inverse en s’installant aux États-Unis dès 1938.

La découverte de l’abstraction

Les peintures de Shirley Jaffe des années 1950 et 1960 sont de beaux flux et tourbillons de couleurs, des orages, évoquant tantôt des feuillages, du feu, des paysages solaires. Le geste est vif, parfois rageur. Elle tend peu à peu à des compositions plus ordonnées, une certaine géométrisation, mais c’est en 1968 que sa peinture change d’une manière assez radicale avec une toile au titre emblématique, « Little Matisse ».

Encore adolescente, Shirley Jaffe a découvert Kandinsky. C’est, avec Kupka, l’un des tout premiers abstraits. Il ira peu à peu vers des constructions complexes de ronds, de triangles. Avec Matisse, c’est la révolution des papiers découpés de la série « Jazz », ou de « la Tristesse du roi ».

Directrice du musée Matisse de Nice, Claudine Grammont, si elle récuse les rapprochements purement formels entre Matisse, donc, et Shirley Jaffe, n’en évoque pas moins le choc que fut pour cette dernière la découverte de ses papiers découpés, dès 1961. Claudine Grammont évoque son propre regard sur une des toiles de Jaffe de la collection du musée (« Sans titre », 1972) : « Je ne peux me lasser de la regarder, de suivre de près le mouvement de ses formes nettes, d’entendre son chant clair. » C’est ce chant, quand bien même il est soutenu par des noirs intenses (« Playground », 1995), qui fait de l’ensemble de ses œuvres une symphonie de la couleur et des formes, singulière et heureuse, semble-t-il.

Disparue en 2016, totalement impliquée dans la vie artistique de Paris, hors mondanités, elle n’a jamais cherché la lumière. Elle la trouvait dans ses tableaux. « Je suis toujours, disait-elle dans un entretien avec le critique ­Robert ­Kushner, à la recherche d’une surprise dans le monde. » Elle voulait « que chaque élément parle, qu’il ait sa voix et qu’il se confronte à tous les autres ». Cette surprise, « je ne peux pas la découvrir d’emblée. C’est au fur et à mesure de mon travail sur un tableau qu’il se passe quelque chose que je réinvente. Je recherche cette réinvention ». Mais aussi : « Mon travail paraît heureux, alors que beaucoup de mes œuvres sont le fruit d’une sorte de désespoir. »